“UNA” es una tetralogía musical, son 12 canciones que se dividen en cuatro capítulos. Cada capítulo contiene un sentido propio y a la vez es parte del todo que se va develando.
Los temas se reúnen por afinidad, por lo que transmiten, porque comparten un universo creativo.
El primer capítulo de Una propone un universo electrónico e instrumental fuerte, muy rítmico y bailable combinado con un fuerte contenido poético: Pido, Palabra y Cuerpo.
En el segundo capítulo aparece un conjunto de canciones que se mueve en el universo del pop rock fusionado con otros géneros.
El Vals, A flote y Jardín componen este grupo de canciones que, si bien continúan la línea sonora experimental del primer capítulo, tienen una energía más suave y naif proponiendo un delicado entramado sonoro. En el tercer capítulo aparecen fusiones de ritmos y estructuras poéticas conectadas al folclore y a la música de raíz afro. Camino nuevo, Ritual y Soneto.
Como cierre de esta tetralogía, el cuarto capítulo viene cargado de emotividad, de la profundidad que nos trae el tiempo, de reflexión y de esperanza. Con un estilo pop y experimental los temas son: Oración, La cresta de la ola y Miro al cielo.
Álbum ya disponible en tiendas digitales
Canciones
1. Pido 2. Palabra 3. Cuerpo 4. El vals 5. A flote 6. Jardín 7. Camino nuevo 8. Ritual 9. Soneto 10. Oración 11. La cresta de la ola 12. Miro al cielo 13. Palabra (Los Bosques Remix)
Créditos
Lucía Severino: Músicas, letras, arreglos, programación de bases, voz, coros, teclados, sintetizadores, pianos, grabación de ambientes, guitarra acústica en 5.
Álvaro Reyes: Producción musical, arreglos, programación de bases. Guitarras acústicas y ukelele en 2. Grabación, mezcla y masterizado. Margarita Brum/criatura corazón: Arte. Voz en 6. Fernando Servián: Batería en 1,3,5,6,7,8,9,11. Coros en 3,7,11. Francisco Servián: Guitarra eléctrica en 1,3,5,6,7,8,9,10,11. Guitarra acústica en 4. Joaquín Pena: Bajo en 1,2,3,5,6,7,8,9,11. Magdalena Dos Santos: Voz en 6. Coros en 8 y 11. Melvyn Pharaon: voz 7. Paulo Piraña Silva: tamboriles en 7. Ana Oliver coros en 5. Eukene Izaguirre voz en 6. Matías dos Santos: guitarra acústica en 11. Martín Giorgieff: Piano en 12.
Grabado, mezclado y masterizado en estudio DosReis. Asistencia en grabación de banda, Drum doctor Ulises Rivas.
Este proyecto cuenta con el apoyo del Fondo de Estímulo a la Creación Artística, FEFCA del Ministerio de Educación y Cultura.
Lucía Severino, es una compositora, cantante, productora e instrumentista uruguaya, que sigue sumando contribuciones innovadoras y eclécticas al mundo musical.
Con una sólida formación en música y artes escénicas, Severino ha consolidado su posición como una figura destacada en la escena contemporánea.
Su propuesta musical fusiona la palabra hablada y cantada con una diversidad de géneros y texturas. A lo largo de su carrera, ha editado varios lanzamientos, demostrando su versatilidad y habilidad para explorar nuevas fronteras sonoras.
Lucía ha sido reconocida en múltiples ocasiones, recibiendo premios y fondos gubernamentales para el desarrollo de sus proyectos artísticos. Entre sus logros se encuentran: el premios del Mec FEFCA a la trayectoria, y el premio del Fondo Ibermúsica, además de múltiples apoyos del Fondo Nacional de Música (FONAM).
Desde el año 2008, ha cautivado al público en vivo con presentaciones en diversos formatos, incorporando en ocasiones propuestas de artes escénicas y visuales para crear espectáculos multidisciplinarios. Sus actuaciones en lugares emblemáticos como el Teatro Solís, Sala Hugo Balzo del Sodre, Sala Zitarrosa, Centro Cultural Politeama y La Trastienda, han dejado marcas en la escena artística uruguaya.
Versión en vivo en la Balzo junto a Marcelo Fernández.
«Grabé Mandolina (a las 4 de la mañana) por primera vez para mi disco solista debut Diego Presa en 2012. Breves reflexiones obsesivas en la madrugada, que han ido desapareciendo lentamente.
En esta versión en vivo, del 17 de agosto de 2023 en la Sala Hugo Balzo del Auditorio Nacional del Sodre, me acompaña Marcelo Fernández con su guitarra inconfundible.
Con Marcelo nos venimos cruzando vía Ojos del Cielo, Buenos Muchachos y Buceo invisible desde hace más de un cuarto de siglo; y en estos últimos meses comenzamos a presentar canciones a dúo en las noches del Uruguay». Diego Presa.
Disponible en tiendas digitales:
Voz y guitarra: Diego Presa
Guitarra eléctrica: Marcelo Fernández
Sonido en vivo: Martín Pérez
Mezcla y masterización: Marcos Da Silva
Diseño: Sebastián Santana, sobre foto de Pablo Costanzo.
Diego Presa (Montevideo, 1975) es músico y autor de canciones.
Posee una trayectoria sostenida desde hace dos décadas, con quince obras editadas y cientos de conciertos en salas reconocidas de Uruguay y con presentaciones constantes en Argentina. Sus creaciones se desarrollan tanto en formato solista como en colectivo.
Es integrante de Buceo Invisible, conforma un dúo junto a Julieta Díaz (Argentina) y fue miembro del trío El Astillero.
A finales de la década del 90’ junto a otros artistas funda Buceo Invisible, un espacio de encuentro y trabajo de músicos, poetas, plásticos y cineastas. Dentro del colectivo es cantante, guitarrista, compositor y arreglador.
El trabajo con Julieta Díaz, que comenzó en 2021, es el resultado de un encuentro de poesía y música, con dos álbumes editados.
El Astillero fue un trío acústico formado en 2016 junto a Garo Arakelian y Gonzalo Deniz, que editó dos discos y realizó más de medio centenar de conciertos a lo largo de cuatro años.
Como solista ha publicado cinco álbumes y realizado presentaciones en vivo de manera constante.
Por esta trayectoria de obras editadas y conciertos ha recibido varios Premios Graffiti a la Música uruguaya y un amplio reconocimiento de la crítica especializada.
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«Palabras» junto a Los Bosques Versión Remix Disponible ya en tiendas digitales
El nuevo single de LUCÍA SEVERINO es un remix de una de las canciones más destacadas de su repertorio.
«Palabra» Remix, es una nueva versión realizada por el dúo de productores LOS BOSQUES. La impronta poética, la métrica y la melodía en sintonía con el beat, son una combinación única que le da nueva forma y amplifica su esencia, que ya es una semilla importante de su disco “UNA”.
Foto: Javier Rivero.
Lucía Severino, es una compositora, cantante, productora e instrumentista uruguaya, que sigue sumando contribuciones innovadoras y eclécticas al mundo musical.
Con una sólida formación en música y artes escénicas, Severino ha consolidado su posición como una figura destacada en la escena contemporánea.
Su propuesta musical fusiona la palabra hablada y cantada con una diversidad de géneros y texturas. A lo largo de su carrera, ha editado varios lanzamientos, demostrando su versatilidad y habilidad para explorar nuevas fronteras sonoras.
Lucía ha sido reconocida en múltiples ocasiones, recibiendo premios y fondos gubernamentales para el desarrollo de sus proyectos artísticos. Entre sus logros se encuentran: el premios del Mec FEFCA a la trayectoria, y el premio del Fondo Ibermúsica, además de múltiples apoyos del Fondo Nacional de Música (FONAM).
Desde el año 2008, ha cautivado al público en vivo con presentaciones en diversos formatos, incorporando en ocasiones propuestas de artes escénicas y visuales para crear espectáculos multidisciplinarios. Sus actuaciones en lugares emblemáticos como el Teatro Solís, Sala Hugo Balzo del Sodre, Sala Zitarrosa, Centro Cultural Politeama y La Trastienda, han dejado marcas en la escena artística uruguaya.
“Esperándote” es la historia del que se va, contada por el que se queda. Es barajar de nuevo, es volver a empezar.
Una cumbia que te invita aprovechar una nueva oportunidad.
“Esperándote”, la nueva canción de SALADOS, cuenta con la participación especial de Gastón Puentes (cantante de 4 Pesos de Propina) y la producción de Sebastián Peralta, quien ya trabajó con la banda en la producción de “No nos achicamos”, single y video que lanzaron con mucho éxito a principio de este 2023.
Con quince años de trayectoria, ¿cómo describen la evolución de Cucú Rapé desde su primera presentación en vivo hasta llegar al Teatro Solís?
Al principio fuimos una banda acústica de cuatro integrantes, solo con percusión, bajo, guitarra española y voces, muy en una tradición popular uruguaya. Luego se sumó batería y guitarra eléctrica, entonces la cosa se puso moderadamente roquera sin perder lo anterior y grabamos un disco. Para el segundo ampliamos mucho más el espectro tímbrico, invitamos y arreglamos las canciones para cuerdas y vientos; y ya en el tercer disco nos volcamos más de lleno al candombe en el que participó el grupo tridente candombero, con tocadores referentes de ese palo. Es decir que fuimos ensanchando cada vez más la sonoridad del grupo, aunque siempre nos permitimos retornar a formatos más chicos.
¿Cuáles consideran los momentos más destacados en la historia de la banda?
Como banda podría ser la grabación de nuestro videoclip para la canción «ico-ícono» del primer disco; la presentación ante lo que fue nuestro público más numeroso, en una mojifest; o la presentación del último disco en la que la banda llegó a sumar catorce músicos. Sospecho que nuestra próxima presentación en la Zavala Muñiz, por como viene siendo la preparación del espectáculo, también se va a poder sumar a esta lista.
¿Qué recuerdos tienen de su primer toque?
Que lo compartimos con el dúo Agosto de Ismael Berois y Fernando Cortizo, que una gran cantidad de aquellas canciones las tocamos un tiempito más y después nunca más volvimos a tocarlas ni las grabamos, y que -según reza el afiche que todavía conservamos- la entrada costaba cuarenta pesos.
P’arafue es el nombre de su nuevo espectáculo y también de una canción de su último disco. ¿Qué significa para ustedes P’arafue?
En la canción refiere a la decisión que toma una mujer a la hora de elegir con cuál de sus amantes se encontrará esa noche, si con el que está en el mismo boliche que ella o con el que está afuera. Como título de este recital tiene que ver con que todo este año hemos estado trabajando puertas adentro y ahora llegó la hora de salir al mundo exterior.
La banda ha explorado una amplia variedad de ritmos afroamericanos, incluido el candombe. ¿Cómo perciben que estas influencias han moldeado la identidad sonora de Cucú Rapé y qué importancia tiene el candombe en su expresión musical?
Se ha dado con naturalidad, todos los integrantes coincidimos en el gusto por esa rica, inabarcable y potente vertiente de la música, es prácticamente imposible que un músico popular no se vea atravesado en algún momento por una llevada afro, del tango al festejo, del forró a la bomba, del jazz al choro, del samba a la plena, etc, etc… el candombe es el ritmo afro que le tocó nacer -afortunadamente para nosotros- en esta región del planeta, así que es muy relevante el vínculo que hay entre historia, resistencia, goce, identidad y territorio. Tenemos que estar muy agradecidos y conscientes del inmenso aporte musical de la comunidad afro en Uruguay y de la generosidad con que han compartido y siguen compartiendo sus saberes a pesar del triste racismo que todavía hoy existe en algunos sectores. Hay muchas cosas para aprender del candombe, y no solamente a nivel musical.
En esta ocasión, contarán con la apertura de Rebétika Montevideo, explorando la música rebétika de Grecia. ¿Qué les motivó a incluir este elemento en el recital y cómo creen que enriquecerá la experiencia musical para su audiencia?
La gran mayoría de las personas en Uruguay ignoran qué es y cómo suena la música rebétika, así que el solo hecho de escuchar en vivo los instrumentos tradicionales de ese estilo -buzukis y baglamá- ya habrá valido la experiencia. Rebétika Montevideo cuenta además con guitarra, contrabajo, percusión y un coro de trece cantantes, y van a interpretar algunas canciones tradicionales que tienen una sonoridad muy expansiva.
En Cucú Rapé la música rebétika ha sido -por esas cosas de los viajes y las casualidades- una fuente más de inspiración musical desde practicamente sus inicios. El el segundo disco, por ejemplo, hay una milonga con guitarra y buzuki.
Han grabado tres discos de estudio y planean repasarlos en esta presentación. ¿Cómo eligieron las canciones para el repertorio y qué importancia tienen esos álbumes en la historia de la banda? Además, mencionaron estrenos y temas nunca editados, ¿qué nos pueden adelantar al respecto?
El repertorio intenta ser representativo más que de nuestros discos de nuestras presentaciones en vivo, y ahí es que aparecen canciones de antes que nunca grabamos pero que para los viejos escuchas de Cucú Rapé no les van a resultar extrañas. Claro que habrán canciones de los tres discos, pero sobre todo del último, que en definitiva es bastante nuevo y no lo hemos tocado mucho en vivo. Y lo que para mí es lo más estimulante y me da la pauta de que somos un grupo vivo es que vamos a estrenar tres nuevas canciones, un milongón, un samba y una plena.
Por Gabriel Plaza // Fotografía de portada: Ignacio García da Rosa // Fotografía en nota: Mariana Cecilio.
Estela Magnone aparece en la pantalla como si estuviera detrás de un vidrio empañado en un día de frío. Es una buena metáfora de como su música, su rostro, su voz, se fue filtrando de una manera velada y misteriosa, sin estridencias, casi como un susurro etéreo y omnipresente, en la canción popular de los últimos cincuenta años. La música de Estela que parece tan volátil como las partículas del amor y tan intensa como la llama de una fogata pegando en el rostro, habla del amor. De encuentros y despedidas. De mujeres de sal y hombres de carbón. De sonidos de sintetizadores, vientos de la rambla, y guitarras. De voces que traen los ecos de las noches de finales de los ochenta en La Barraca. De juegos en el taller de Coriún Aharonián. De intercambios con Eduardo Mateo, Darnachauns, Mauricio Rosencof y Jaime Roos. De cruces con nuevas generaciones como Fabián Marquiso y Florencia Nuñez. De canciones que sobreviven al tiempo.
“Ahora es todo muy efímero, muy ya. Hacés una canción, la grabás y la subís y ya está. A mí me parece que hay que darle tiempo de verdad, no hacer una canción y grabarla la semana que viene. Las canciones tienen que macerar y adquirir vida propia después”, dice Estela Magnone. Es una lección de una maestra. La primera de muchas, que también están en sus discos.
Es un mediodía sereno y frío en el límite entre el barrio Sur y Palermo. Estela Magnone está en su estudio, donde los días de las llamadas puede escuchar el sonido de los tambores. “Soy afortunada de vivir en la calle La Cumparsita como corresponde a un músico”, dice la pianista, cantante y compositora. Es la casa donde vive hace más de veinte años y compone sus canciones en la guitarra. Es una rutina que comparte con su trabajo en el archivo de AGADU.
El jueves se presenta en la Sala Corchea (Soriano 1243), a dúo con Fabián Marquiso, productor de sus trabajos solistas desde Pies pequeños (2012), hasta el álbum de duetos Lazos (2022), donde participaron Laura Canoura, Florencia Nuñez, Ana Prada, Sandra Mihanovich y el rapero Kung Fu Ombijam, entre otros.
Será la última fecha del año en vivo. Quiere dedicarse a delinear lo que será un próximo disco, que fue componiendo y armando en el último tiempo. “Estuve y estoy revisando algunas canciones porque pretendo volver a grabar. Tengo grabaciones caseras con algún mínimo arreglo que siempre guardo para el futuro porque si no tengo canciones para grabar me muero. Siempre tengo que tener alguna canción, sino sería una frustración”, dice.
Nieta del creador de un conservatorio de música, hija de dos directores de coros y orquesta, Estela Magnone es una figura central de la música en Montevideo, desde los años ochenta, cuando apareció con Ni un minuto más de dolor (1983), el primer disco de Travesía junto a Mariana Ingold y Mayra Hugo; y luego se presentó en sociedad como autora con Mujer de sal junto a hombre de carbón (1985), a dúo con Jaime Roos, donde estaba posiblemente una de las canciones más recordadas y más importantes de su repertorio, “Andenes”.
“Me acuerdo perfectamente donde estaba y como me sentía cuando la escribí”, dice Magnone. “Esa canción yo la compuse en el año ’82 y fue la única canción de todas las que compuse que me salió de un tirón la letra y la música sin corregir nada. Se llama Andenes porque para mí un andén es un lugar donde llegan cosas y parten otras. Era una canción de un momento de cambio de amor. Para decirlo de alguna manera, del fin de un amor y el principio del otro”.
En su última producción grabó una nueva versión para el disco Lazos. Fue una decisión que le costó tomar, no porque no quisiera al tema, sino porque había muchas versiones de la canción (una con Travesía, otra con Roos), y le parecían suficientes. “Fabián me insistió tanto que me convenció”. La nueva versión ganó recientemente el premio Graffiti, al mejor video en vivo. Fue grabado en un asado en el fondo de la casa de Marquiso, donde tiene su estudio. “Es como una guitarreada, bien casero. Quedó muy fresco el tema. Está lindo”, dice Estela con esa media sonrisa cautivadora.
Con el músico Fabián Marquiso establecieron una sociedad artística que vuelven a celebrar en este concierto en la Sala Corchea. “Hace más de veinte años que trabajamos juntos con Fabián Marquiso. Primero tocaba conmigo la guitarra, en una época que yo no quería tocar el piano, y solo quería cantar. Después empezamos a hacer cosas juntos, a producir en su estudio en Maldonado. Armamos el proyecto de Villazul y hace un par de años empezamos con este show conjunto con canciones de él y canciones mías, y nos acompañamos mutuamente”, dice Magnone.
Siempre tuviste el piano como instrumento, pero tu sonido de teclados fue muy adelantado para la época y se convirtió en una marca tuya.
Sí, en realidad en el disco solista con Jaime (Roos) hay mucho trabajo de sintetizadores. En aquella época era toda una novedad, porque no había sintetizadores en Uruguay. El sintetizador con el que se grabó ese disco era un Roland 16 que Jaime lo había traído de Europa en el ’84. Era uno de los primeros que aparecía por acá. Era tan caro para nosotros que lo compramos entre cuatro. Me arrepiento de haberlo vendido cuando vino lo digital. Es un sonido diferente. Ese disco tuvo mucho de electrónica para aquella época. A pesar que es un disco con Jaime lo veo casi como mi primer disco solista porque todas las músicas de las canciones las compuse yo y las letras fueron a medias. Cuando se reeditó en vinilo llamó mucho la atención ese sonido medio electrónico. Es atemporal. Podría ser de hoy.
En tu último álbum está el sonido intimista, pero se mantiene ese toque moderno y contemporáneo de tus canciones.
Ahora hay muchas más posibilidades técnicas. Cuando empecé a co-producir los discos con Fabián él empezó a meterse en lo electrónico. Yo aprendí un montón y después, también, empecé a meterme en la producción. Hacemos así. Armo los temas, como lo que llamo el chasis del tema. Después con eso me voy a Maldonado al estudio en su casa, en el medio del bosque, y ahí lo terminamos. Me identifico mucho con ese sonido medio acústico y medio electrónico. Es como una mezcla.
En Lazos, hiciste una retrospectiva de tu historia. ¿Cómo fue eso de mirar para atrás?
Me gustó hacerlo y que hubiera un poco de todo. Además quería incluir esos temas Lado B, que son los temas que no se conocen mucho y de repente a mí me gustan más que otros que son los más conocidos. Ahí me saqué el gusto. Fui eligiendo temas de cada disco, también pensando en los invitados. Fue un poco intuitivo.
¿Tenés una buena convivencia con las canciones más viejas de tu repertorio?
Tengo la suerte que me gustan todas las canciones que hice. No me arrepiento de nada de lo que grabé. Tal vez porque las dejo mucho tiempo a ver si están bien. Soy autocrítica y no soy de los que digo: “que horrible mi primer disco”. Volvería a grabar todo lo que grabé, así.
Participaste de Travesía que fue una agrupación pionera por estar integrada toda por mujeres. ¿Eso a la distancia tomó otra dimensión para vos?
Recién mucho después tomé dimensión. Creo que casi cuando se editó el disco de Travesía en vinilo fue como darme cuenta que sí había sido una cosa sumamente importante. Había muy pocas mujeres haciendo un proyecto así totalmente femenino porque tocábamos todo, los arreglos, las canciones, todo era nuestro. Éramos autosuficientes en Travesía, no había otra cosa igual. Tenía un énfasis en la parte vocal. Era algo muy natural porque las tres cantábamos juntas en coros hacía tiempo. Yo lo escucho y digo cómo se nos ocurrían esas cosas, porque eran bastante originales. Fue un disco importante porque éramos mujeres solas haciendo un proyecto propio. A lo largo de los años te comentan cosas las gurisas jóvenes. Hace poco me contactó una chiquilina que estaban sacando los arreglos del disco para hacerlos idénticos.
Formaste parte de una época donde compartiste música con Mateo, Jaime Roos, Travesía, Las Tres. Es toda una camada muy importante que cimentó la música uruguaya actual. ¿Qué tenía esa generación?
Creo que había experimentación. Mateo ni que hablar. Estar con él era como una escuela de música, donde aprendes todo el tiempo cosas. Y pienso que todo el mundo estaba en esa cosa de “hagamos algo original”. No a propósito, pero era un poco lo que tratábamos de hacer. También había mucho de irnos a ver, encontrarnos en lugares donde tocaba uno y otro, entonces era como una barra. Lo siento así. En el primer aniversario de La Barraca (el boliche de su hermano Daniel), tocamos todos salvo Jaime que estaba afuera. Si ves la foto de la época y miras todos los que están ahí, es como un bastión de la música uruguaya urbana.
Diego Presa ejerce su oficio solista, destilando influencias que van desde Leonard Cohen a Sylvia Meyer, pasando por la experimentación a la Brian Eno, sin dejar de lado la milonga ciudadana.
Solamente la voz y la guitarra eléctrica reverberando.
«Flores violetas», su nueva canción, fue estrenada y grabada en vivo, el 17 de agosto de 2023, en la Sala Hugo Balzo del Auditorio Nacional del Sodre.
Diego Presa (Montevideo, 1975) es músico y autor de canciones.
Posee una trayectoria sostenida desde hace dos décadas, con quince obras editadas y cientos de conciertos en salas reconocidas de Uruguay y con presentaciones constantes en Argentina. Sus creaciones se desarrollan tanto en formato solista como en colectivo.
Es integrante de Buceo Invisible, conforma un dúo junto a Julieta Díaz (Argentina) y fue miembro del trío El Astillero.
A finales de la década del 90’ junto a otros artistas funda Buceo Invisible, un espacio de encuentro y trabajo de músicos, poetas, plásticos y cineastas. Dentro del colectivo es cantante, guitarrista, compositor y arreglador.
El trabajo con Julieta Díaz, que comenzó en 2021, es el resultado de un encuentro de poesía y música, con dos álbumes editados.
El Astillero fue un trío acústico formado en 2016 junto a Garo Arakelian y Gonzalo Deniz, que editó dos discos y realizó más de medio centenar de conciertos a lo largo de cuatro años.
Como solista ha publicado cinco álbumes y realizado presentaciones en vivo de manera constante.
Por esta trayectoria de obras editadas y conciertos ha recibido varios Premios Graffiti a la Música uruguaya y un amplio reconocimiento de la crítica especializada.
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El 23 de octubre, en el Auditorio Nacional Adela Reta se entregaron los Premios Graffiti 2023 que faltaban entregar.
El Premio Renault a la Trayectoria fue para Héctor Numa Moraes y también se le realizó un reconocimiento por su Aporte a la Música Uruguaya al Peyote Asesino.
Listado Completo de Ganadores Premios Graffiti 2023:
MEJOR SINGLE DE MÚSICA ELECTRÓNICA Sonido nativo del río – Bajofondo – YSY A / Sony Music
MEJOR SINGLE DE MÚSICA URBANA Abrazarte – Clipper / MMG
MEJOR CANCIÓN DE MÚSICA POPULAR URUGUAYA Ahora – Mocchi / Mundo Mejor
MEJOR CANCIÓN DE MÚSICA TROPICAL Boleto al amor – Matías Valdez ft. Chacho Ramos / MMG
MEJOR SINGLE POP La voz de la diosa Entropía – Daniel Drexler ft. Kevin Johansen / Altafonte y Mapa Music
MEJOR SINGLE ROCK Deja su lugar – La Triple Nelson ft Ricardo Mollo / IND
COMPOSITOR/A DEL AÑO Jorge Drexler – Tinta y tiempo – Jorge Drexler / Sony Music
PRODUCTOR/A DEL AÑO Fran Nasser / Tato Cabrera / Diego Matturro – Conflicto de intereses – Diego Matturro / Bizarro
MEJOR ARTISTA NUEVO Fulana de Val – Anónima / Bizarro
BANDA DEL AÑO Níquel – Paz y swing / MMG
SOLISTA DEL AÑO Jorge Drexler – Tinta y tiempo / Sony Music
MEJOR EP Mariana Vázquez – Mariana Vázquez / Bizarro
TEMA DEL AÑO 4 días – Diego Arquero / Bizarro
ÁLBUM DEL AÑO Paz y swing – Níquel / MMG
PREMIO RENAULT A LA TRAYECTORIA Héctor Numa Moraes
VOTACIÓN POPULAR
TEMA DEL AÑO Adiós – Matiás Valdez & Gonzalo Castillo / MMG
PREMIO OMAR GUTIÉRREZ ARTISTA DEL AÑO Luana
MEJOR VÍDEO DE LARGA DURACIÓN DOCUMENTAL Guitarra Blanca – Aldo Garay / IND
MEJOR VÍDEO DE LARGA DURACIÓN MUSICAL Volvió una noche En Vivo – Cumbia Club / IND
MEJOR VÍDEO CLIP EN VIVO Andenes – Estela Magnone / Bizarro
MEJOR VÍDEO CLIP Cinturón blanco – Jorge Drexler / Sony Music
Directora: Joana Colomar
MEJOR ÁLBUM EN VIVO Montevideo Rock En Vivo – Buitres / MMG
MEJOR REEDICIÓN La ley es otra – Los Estómagos / Bizarro
MEJOR EDICIÓN ESPECIAL Macu ta cantado – Artistas Varios / Ayuí
MEJOR ÁLBUM DE INSPIRACIÓN RELIGIOSA Vivir es Cristo – Hernán Vallarino / PM Music
MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA INFANTIL Música para aprender Volumen 2 – Villazul / Bizarro
MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA INSTRUMENTAL Monte nativo – Los Bosques / Acrylic
MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA ELECTRÓNICA Singularidad – Fernando Picón / Surbeats Records
MEJOR ÁLBUM DE CANDOMBE FUSIÓN Vuelta al núcleo – Maité Gadea / IND
MEJOR ÁLBUM DE FOLCLORE Inéditas en el último rincón – Pablo Estramín / Sondor
MEJOR ÁLBUM DE TANGO Tabaré Leyton Vol. 1 – Tabaré Leyton / Constitution Music
MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA POPULAR Y CANCIÓN URBANA Mientras tanto, en Montevideo – Gonzalo Deniz / Bizarro
MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA TROPICAL Lento y parejo – La Imbailable Orquesta / IND
MEJOR ÁLBUM DE HIP HOP El mundo aparte – Diego Arquero / Bizarro
MEJOR ÁLBUM PUNK Volumen 2 – Bulgaria / IND
MEJOR ÁLBUM DE METAL Y HARD ROCK Plantado en el horizonte – Pecho E´Fierro / Juba Records
MEJOR ÁLBUM DE ROCK ALTERNATIVO Los nuevos recuerdos vendrán – La Foca / Yo no fui doña / Ultrapop
MEJOR ÁLBUM DE POP ALTERNATIVO Lo sabremos al final – Socio / Bizarro
MEJOR ÁLBUM POP Conflicto de intereses – Diego Matturro / Bizarro
MEJOR ÁLBUM ROCK Después del último día – La Triple Nelson / IND
MEJOR DISEÑO DE ARTE Conflicto de intereses – Diego Matturro / Bizarro
Diseñador Gráfico: Oye Fernando
MEJOR LIBRO SOBRE MÚSICA URUGUAYA Hoy Como Ayer – Apuntes de colección: anécdotas de la música uruguaya 1968-2004 – Carlos Dopico / Penguin Random House – Ediciones B
PREMIO GRAFFITI INSTITUCIONAL Soona UY: Por su trabajo por la Igualdad de Género en la Música Uruguaya
PREMIO GRAFFITI INSTITUCIONAL Rafael Atijas: Por la creación de las guitarras Loog y su aporte para facilitar el aprendizaje del instrumento para niñas y niños
PREMIO GRAFFITI INSTITUCIONAL Serie Historia de la Música Popular Uruguaya, Segunda Temporada: Por la calidad y rigurosidad en la documentación de la historia de la música popular uruguaya
PREMIO GRAFFITI INSTITUCIONAL Intendencia de Maldonado: Por la realización de espectáculos masivos y eventos culturales de calidad, que marcan su constante apoyo a la cultura uruguaya.
Menciones Especiales del Jurado
Pocitos Libros y Montevideo Portal: Por la realización del Ciclo TresDosUno
Océano FM y Gustavo Rey: Por el ciclo multimedia de entrevistas y música “Notas en el Aire”
Leo Barizzoni: Por la Exposición «Buitres. Fotografías 1997-2022»
La música folclórica uruguaya está a punto de recibir una adición memorable con el lanzamiento del disco «La Flor de la Higuera» de la cantautora tacuaremboense Pilar Apesetche.
El disco «La Flor de la Higuera» es más que una colección de canciones; es un tributo a las raíces culturales y a las historias que nos legaron nuestros antepasados. Pilar Apesetche tejió una obra que combina ritmos folclóricos uruguayos, argentinos y brasileños en una carta de amor a la cultura gaucha e indígena que ha influido en su vida y su música.
El título del disco se inspira en una antigua tradición que relata cómo, durante la Noche de San Juan Bautista, florecía la Flor de la Higuera. Algunos creían que se abría ante los ojos del observador, mientras que otros afirmaban que caía desde las ramas y se transformaba en oro al ser recogida, como un copo de nieve. Este mito también se encuentra entre los indios guaraníes, quienes esperan su llegada durante la noche del Viernes Santo. La esencia de esta leyenda es que, aunque no sea visible, la Flor de la Higuera siempre está presente.
Para Pilar Apesetche, esta tradición es personal y emocional. Ella considera que su abuela es su propia «flor de la higuera», una figura que influyó profundamente en su vida y en su música. Al igual que el higo no existe sin su flor, la música de Pilar Apesetche no existiría sin la inspiración que su abuela le brindó.
El repertorio de Pilar Apesetche es igualmente diverso, incluyendo desde canciones de Gardel hasta composiciones de Amalia de la Vega. Además de interpretar canciones de otros, el disco también presenta piezas de su autoría y canciones inéditas que le fueron confiadas para darles vida.
El disco está producido por Enzo Fernández y Daniel Rosa. Todo el proceso de grabación, mezcla y masterización se llevó a cabo en Berequetum, bajo la dirección de Luis Ravizza. La base musical contó con la participación de Andrés Puppo en el bajo, Enzo Fernández en la guitarra y guitarrón, y Daniel Rosa en el acordeón y el piano. Contó con la colaboración de músicos invitados, como Bruno Pistón en la guitarra, Lucas Soria y Antonella Pérez en el bombo legüero, y Andrés Piggatto en el contrabajo. El arte visual del disco estuvo a cargo de Jorge Luis Arbelo Rivera.
“La Flor de la Higuera” ya está disponible para escuchar en todas las plataformas digitales. El evento de lanzamiento se llevará a cabo el 20 de octubre a las 19:30 en Sala Corchea en Soriano 1243. En este encuentro, Pilar conversará con el periodista Mauricio Rodríguez sobre su disco, nos presentará sus canciones y habrá un brindis al final.
