Por Gabriel Plaza.

Es de medianoche en Montevideo. El Bar Hispano, en la esquina de San José y Rio Negro, uno de los cafés montevideanos de la época dorada de los años cincuenta, bulle en su interior. En una mesa larga sobre la vereda, Raúl Castro, ex jugador de basquetbol, publicista, letrista y creador de la murga Falta y Resto (la que nació para “voltear una dictadura”), está comiendo una porción de muzzarella. Este año cambió los tablados del carnaval por un escenario en el centro de la avenida 18 de julio con un espectáculo donde estrenó una nueva propuesta artística con su murga de cámara: coro de tres voces, batería de murga -bombo, platillo, redoblante-, contrabajo, guitarra, piano y bandoneón. Una veta solista que quiere seguir explorando junto a esta formación. “Estoy trabajando en doce o trece nuevos temas para la temporada que viene”, dice el compositor.

Es un tiempo de retrospectivas. Como su hermano musical Jaime Roos, el compositor Tintabrava Castro, también estuvo recorriendo con su último espectáculo medio siglo de vida artística, en un tour de force, por la memoria personal y emotiva de un país, una historia atravesada por exilios, regresos, saludos, cuplés, retiradas y letras que son hitos culturales: “La hermana de la coneja”, “La gente”, “Cuando juega Uruguay”, y “Elena”, que habla de la maestra desaparecida por la dictadura militar uruguaya, cuyo nombre todavía se puede ver en las pintadas en el barrio Sur de Montevideo.

Las ocho funciones en la sala Zitarrosa, quedaron registradas en una muy buena calidad de audio para editar un disco en vivo, que saldrá en el mes de setiembre. Será el primer disco de Tintabrava y el Bandón Murguero, con una selección de las mejores canciones y los textos que están en su último espectáculo. La presentación oficial del disco ya tiene fecha. Se realizará el 8 de setiembre en el emblemático Teatro El Galpón de Montevideo. Después junto al Bandón Murguero, saldrá de gira entre octubre y noviembre, para recorrer el sur argentino.

Mientras cae la noche Raúl Castro, que lleva una musculosa con la frase “la revolución se hace cantando”, toma unos tragos largos de refresco, y se entrega a esta charla, cerca del cordón de la vereda, rodeado por esa escenografía urbana que siempre formó parte del corazón de sus letras.

¿Sos un autor prolífico o sos un autor de tiempos lentos?

Me levanto, preparo el mate y me siento a escribir. Es lo primero que hago en el día. Escribir lo que sentí la noche anterior, lo que estoy sintiendo ahí en ese momento, o lo que viví. A veces llegan a canciones, a cuentos, o simplemente a llenar esa carpeta verde donde tengo guardadas un montón de cosas y voy sacando de ahí para musicalizar. Escribir, es lo que más me gusta hacer.

Jaime Roos con quién compusiste varias canciones habla de la mística del mostrador. Esa cultura está muy presente en tus canciones y en tu vida.

Yo soy de la época que los lugares de reunión y de participación generacional eran el deporte y los boliches. El mostrador es el altar en donde uno se confiesa y el bolichero es el cura. A veces  el vino es el mismo cáliz. A partir de ahí creas tu vida. Entonces te acordás de momentos y confesiones. Por eso, el mostrador es tan importante para un letrista. Por las confesiones. Es un hito, un lugar importante de mi vida, a pesar de que nunca fui alcohólico. He visto pasar alrededor mío muchos vicios, algunos he probado, otros no, pero nunca me sentí atado ni esclavo. Porque el alcohol puede pasar de ser un buen amigo, a ser el peor enemigo. Hay que saberlo distinguir. Cuando está pasando a ser enemigo hay que apartarlo, como todos los vicios.

Hay otra cosa muy presente en tus letras que es la nostalgia de las despedidas.

Y claro, lo que pasa que el género murga es el único de la historia que se retira con una tristeza, con una melancolía, con una nostalgia, diciéndole adiós a la gente mientras se va repitiendo que volverá. Es una cosa muy romántica. Por eso, los letristas siempre decimos que la despedida tiene que ser aquello que tenga la suficiente dosis de ternura, nostalgia y amor para quedar ahí prendidita en el corazón del barrio. Algún señor que la silbe, una señora que se quedó con una estrofa, un gurí que la cante. Es el ansia de permanencia, de eternidad.

Hay muchas despedidas de murga que escribiste que quedaron en la memoria musical de Uruguay. ¿Algunas de esas es tu preferida?

Todas tienen su momento. Cada una tiene un aroma diferente. Es como decir cual de mis seis hijos es el que más quiero. Es imposible

¿Pero sí te marcaron otras despedidas a vos?

Sí, la despedida de “Los pájaros” de Los Asaltantes con Patentes del año 61. Carlitos Souto es el autor. Una maravilla

¿Por qué te marcó?

Porque era la que le gustaba a mi padre. La cantábamos juntos siempre.

¿Qué tenés de tu padre y tu madre en tu forma de ser?

Canalizo en Tintabrava toda la cosa atrevida de mi madre. A ella no le importaba decir lo que pensaba en cualquier momento y en cualquier situación. Era tremenda. El Flaco Castro es más parecido a mi padre, cortés, caballero, bajo perfil y con sentido común. Con el tiempo me di cuenta que muchas de las cosas que decía tenía razón. Uno va madurando. En algunas cosas creés menos y en otras que pensabas que no creías te das cuenta que son las que van rigiendo tu vida: la familia, los hijos, las cotidianeidades, son las cosas más importantes. Eso mi padre lo tenía mucho, disfrutar lo cotidiano. Lo de todos los días.

Como letrista de murga sabes que no podés quedar bien con nadie, que siempre tenés que criticar las cosas que pasan.

Es muy difícil porque tenés que tratar de criticar desde afuera. Se trata de no traicionar tu línea editorial, pero eso significa ser un apatria partidariamente. Estar lo suficientemente picante como para decirle al vecino, al que tenés al lado y está luchando contigo: “Mirá que estás haciendo esto mal”. Y si te dice: “¿Vos quién sos?”. Le decís: “Soy letrista de murga.”. No solo puedo sino que debo. Es un lindo lugar. A veces es medio angustiante porque no te sale todo eso que querés decir pero de repente te sale una letra y es casi orgásmico.

¿Qué pasa cuando escuchás alguien que canta una letra tuya en lo cotidiano?

Es un premio.

¿Por qué pensás que caló tanto la murga uruguaya en Buenos Aires?

Creo que culturalmente hablamos el mismo idioma. El barrio, la gente, el olor a choripán, lo popular.

Hay cierta épica de lo popular que te interesa como artista.

Y sí. Hay que tener ambiciones para pretender que te aprecien los que tienen un tipo de información que los que tienen otro tipo de información. No hablo de cultura que la tienen todos, sino que todos te entiendan y cobijen al mismo tiempo. No hay cuento. De eso se trata lo popular. Hay que caminar por ahí. Es esa carretera.

¿Todavía disfrutás de las giras?

Las amo. Me divierte pila. Hay una conexión muy zarpada con los compañeros. El viaje está bueno y más cuando estás tocando. Es una cosa increíble. Lo que paso en cada toque se refleja en el viaje y lo que pasa en el viaje se refleja en los toques. Yo lo amo. No me cansa. Forma parte de la actuación. Cuando te vas de gira es un paréntesis de la realidad cotidiana. Es pasar a ser otra cosa, otro tipo, es una cosa muy loca. No te preocupas nada más que de cantar, comer, dormir, descansar un poco, charlar con la gente y listo. Se te va todo. Todo el mundo tendría que salir un poco de gira. El rock movie de la vida.

¿Y estar en los tablados?

Andar en la bañadera, es igual. Uno ama actuar. Es el desafío y los nervios de siempre, porque mantenerse es más difícil que llegar.

Por Elena Rosano.

Previo a la presentación de su disco en la Sala Blanca Podestá en AGADU, conversamos con Juan Mariño sobre sus inicios, el proceso de sacar un disco y más.

¿Cómo te sentís al presentar La Rebelión de los Picaflores?

El show que se viene el próximo sábado 20 de mayo es uno de los más importantes que he hecho hasta ahora. Realmente me llena de alegría, nervios y emoción toda esta locura. Llegar a hacer la presentación oficial de mi primer material en solitario, luego de mucho trabajo, shows y giras, me hace sentir muy agradecido! Además, el Teatro AGADU es una sala que adoro.

¿Aprendiste algo después de publicar tu disco? ¿Sentís que cerrás un ciclo al presentarlo?

¡Sí! Luego de estar por años conformando una banda y un colectivo musical, lanzarme de solista y encontrar la recepción y el cariño del público, me hizo entender que esas canciones que siempre estuvieron en un cajón eran las que me definían al 100%. Lanzar un disco que me describe en cada canción, viajar con mi guitarra en solitario por Brasil, Argentina y Uruguay presentando mis canciones, y ahora llegar a presentar el disco en el Teatro AGADU, es un cierre de un ciclo personal y profesional muy grande.

¿Hay alguna canción tuya que te haya dejado de gustar?

Me acuerdo de la primera canción que escribí, dedicada a mi primer amor adolescente, empezando mi primer proyecto de banda en el liceo… Muchas canciones fueron quedando en el cajón, no porque no me gustaran, sino porque fueron representando momentos o situaciones muy puntuales de mi vida. Actualmente las canciones del disco y las que siguen en mi repertorio son aquellas con las que me puedo seguir identificándome más allá de la edad y del contexto. Recuerdo mis primeras canciones y es una mezcla de ternura y vergüenza o “cringe”, pero agradecido por ese Juan de 13 años que con cuatro acordes intentaba transmitir algunos versos con la guitarra.

Hace un tiempo te fuiste de gira a Brasil y Argentina, ¿cómo te sentiste allá y cómo recibió ese público tus canciones?

Sí, en el 2022 hice dos giras por Brasil y una por Argentina, presentando mi disco en formato guitarra y voz. Ver al público de otro país copado con mis canciones, cantando algunos versos o estribillos, es realmente una locura. Tuve la posibilidad de presentarme en pequeños escenarios de Porto Alegre y Buenos Aires, donde la cercanía del público era mayor, y volví a Uruguay gratificado por todo lo que viví.
Me encantaría poder llevar mi música a más países y seguir conociendo distintas realidades, colegas y estilos musicales. Cada gira o viaje musical es una experiencia que queda grabada. En ese momento te das cuenta que valió la pena trabajar por años por lo que uno ama.

¿Qué podemos esperar para tu concierto en la Sala Blanca Podestá de AGADU?

El show del 20 va a repasar el disco “La Rebelión de los Picaflores”, junto con canciones de Emisión y algunos covers que me caracterizan en este nuevo formato en solitario. Será en formato banda, acompañado por Juan Bidart en batería, Ismael Ruibal en guitarra y Nicolás Guerra en bajo, y tendré invitados a lo largo del show. Pasaremos por el candombe, pop, rock, funk y muchos estilos que están en mi disco.
También nos acompañan nuestros amigos de Luminazion, desde Buenos Aires, que estarán dando apertura al show. Vienen de una gira en Perú, presentando su discografía, y estar acompañados por su formato electroacústico es un honor para nosotros!

Por Elena Rosano.

¿Cómo empezaste a hacer música y cuáles son tus principales influencias en la composición de tus canciones?

A los tres años de edad fue mi primer acercamiento a la música cuando pedí a mi familia de regalo de cumpleaños una guitarra. Fue desde entonces que junto a mi primera guitarra de plástico con tres cuerdas de tanza comencé a componer mis primeras canciones.

La mayor parte de mi familia tiene una conexión muy linda con la música, desde tocar algún instrumento hasta oírla cotidianamente. Recuerdo algunxs músicxs que sonaron toda la vida en casa como: León Gieco, Manu Chao, Tribalistas, Mercedes Sosa, María Elena Walsh, Cassia Eler, Bob Marley, Ruben Rada, Caetano Veloso… De seguro tuve alguna de sus influencias, pero no sabría reconocer una en particular. Creo que mi más fuerte influencia es la manera en la que percibo el mundo y encontrar a la música como la forma más genuina de compartir lo que vivencio y me atraviesa.

¿Todavía te acordás de la primer canción que escribiste?

Recuerdo un lindo pasatiempo que compartía con Sabrina, mi mamá. Consistía en que mientras yo improvisaba ella iba tomando nota de esas composiciones en un cuaderno. Recuerdo algunas frases sueltas como: “Voy dividiendo mis pasos y voy buscando un lugar chiquitito para amarnos […] por una puertita del corazón se escapó todo el amor que nos teníamos». Y la primera composición de la cual hay registro completo se llama “Mi flor amarilla” y la compuse a los seis años.

Se las comparto:
“Despiértate, mi bella niña,
despiértate, hay que alumbrar el día,
despiértate, despiértate, mi flor amarilla.
Despiértate que hay que subir al cielo,
despiértate, mi dulce caramelo,
despiértate que hay que ir al campo a juntar flores,
despiértate, que yo te quiero.”

¿Cómo te llevas con eso?

Con esos recuerdos me llevo de una manera tierna. Me enternece saber que esa niña que fui, encontró desde tan temprana edad una poderosa forma de como poder canalizar lo que sentía, ahondar en la creatividad y comunicarse. Cuando recuerdo todo esto, también me siento muy agradecida de tener una familia que supo escuchar a esa niña y acompañarla en sus pasiones. En este sentido, me parece fundamental poder transmitir la importancia de acompañar a las infancias, adolescencias, hijxs. Contemplar lo que están comunicando y poder brindarles herramientas para que puedan seguir construyendo sus pasiones. Por más pequeño o grande que sea el detalle de acompañar, te aseguro que hace la diferencia.

¿Hay alguna canción tuya que te haya dejado de gustar?

No, creo que sí hay muchas composiciones con las cuales hoy no me identifico tanto, pero las puedo ver como compañeras de una etapa de mi vida, en cierta forma son como pistas, rastros, que me cuentan de aquellas “Luanas” que también fui.

Principalmente tocás guitarra y voz en tus composiciones, ¿te ves cambiando eso en algún momento?

Hay varios instrumentos que me gustaría tocar.

En principio me veo profundizando con la guitarra que es mi instrumento más fiel pero que aún me falta mucho por aprender. El segundo instrumento que me gustaría aprender es el piano, creo que me llevaría por nuevos lugares compositivos, un mundo desconocido para crear nuevas canciones. Por otro lado, poder tener alguna noción de instrumentos como el saxo, percusión, violoncello, arpa, entre otros… sería un gran sueño para mi, pero veremos en el camino con lo que verdaderamente pueda comprometerme.

Hace un tiempo viajaste a México, ¿cómo te sentiste allá y cómo recibió ese público tus canciones?

El viaje a México fue de muchas ilusiones en cuanto a la música. Me ilusionaba poder conocer su cultura musical, intercambiar con musicxs locales, compartir mi proyecto e ir construyendo un circuito por allí. En cuanto a esto último, sucedió que me encontré con un mercado musical muy amplio y de difícil acceso, de diez personas que conocía, ocho se dedicaban a la música, en ese sentido me fascinó la riqueza musical que existe en el país y por otro lado pude concretar con pocos lugares para trabajar con mi música. De todas formas, en los lugares que sí conseguí tocar la recepción de las personas fue muy valiosa para mi, fue una manera de confirmar que la música que hago es una invitación a conectar, a sensibilizar y a mover lugares internos de cada unx, llevándonos a dialogar con nuestras emociones. Para ir concluyendo, una de las cosas más valiosas que también me dió el viaje, fue el poder darme cuenta de la carrera que durante años vengo construyendo en Uruguay y me hizo estar tan agradecida con las personas que desde hace mucho o poco tiempo siguen mi proyecto musical.

¿Hay algún lugar donde te gustaría llevar tus canciones en el futuro?

Me gustaría mucho poder generar un circuito musical en Argentina, un país hermano que tanta cultura musical contiene. Un país muy grande con mucho para conocer, recorrer y aprender.

Luego de haber podido construir un circuito musical allí, me gustaría intentarlo en España.

¿Qué podemos esperar para tu concierto en Sala Camacuá?

Pueden esperar encontrarse con una propuesta profunda, dinámica y sensible. Además la propuesta de por sí ya será distinta dado a que me presento por primera vez en formato banda y eso es nuevo para mi.

Pueden esperar encontrarse con un lugar seguro para permitirse conectar con sus emociones y sentirse libres de poder cantar, bailar, reír, llorar, etc.

Yo espero disfrutar ese momento tan importante de mi carrera estando acompañada de personas maravillosas y siendo ésta la primera vez que me presento en una sala centralizada de Montevideo.

Me siento profundamente agradecida con quienes confían en lo que hago y hacen que esto sea posible y también con las canciones que me dan la posibilidad de conectar conmigo y con el mundo.

¡Les esperamos el viernes 19 de mayo en la Sala Camacuá!

Muchas gracias a Corchea por este espacio tan valioso para compartir un poco sobre quién soy y lo que hago.

Conversamos con Sheila Bonino, directora de la nueva sala de COOPARTE y Fundación Fans de la Música

¿Cuál es el propósito principal detrás de la creación de Sala Corchea?

El propósito es contar con un espacio propio para que principalmente las personas asociadas al colectivo Cooparte/Agremyarte/Fudem puedan mostrar sus proyectos artísticos, como también todas las personas, ya sean uruguayas o extranjeras, creadoras de propuestas artísticas.

Se instala un espacio cultural nuevo en Montevideo, interdisciplinario, con propuestas variadas y principalmente diferentes, un semillero de artistas nuevos y también consagrados, que se mezclen para que surjan nuevos productos artísticos y también nuevos públicos.

Creemos que es tiempo de que comencemos a desdibujar las líneas que nos separan ya sea entre artistas y estilos como en el público consumidor de cultura. Para lograr que pasen otras cosas a nivel de movida cultural y social debemos hacer cosas diferentes, por eso apostamos a propuestas interdisciplinarias que propongan más de una disciplina artística por presentación. Va a llevar un tiempo instalar esta idea en la escena artística, aunque ya exista la propuesta, queremos normalizarlo. Se debe intercambiar, proponer, compartir, colaborar entre artistas para dar a luz nuevos proyectos artísticos desafiantes, innovadores, intrépidas, lo cual traerá a futuro nuevos públicos, o que los mismos que ya consumen al día de hoy productos culturales se vean atraídos por estas nuevas propuestas valerosas.

¿Qué tipo de eventos o actividades planean agendar en la Sala Corchea?

Principalmente daremos prioridad a propuestas en donde lo central sea la música y en donde a su vez  presenten otras disciplinas artísticas como por ejemplo la actuación (performance, stand up), muestras de arte visual, la danza, audiovisual.  

La idea es aprovechar la historia del lugar en que surge esta sala, que es la sede de una cooperativa de artistas para que naturalmente se empiece a dar ese intercambio entre las propuestas artísticas que deseamos se empiece a materializar en las propuestas culturales que brinde la sala.

¿De qué forma pretenden fomentar la diversidad y la inclusión en la comunidad cultural?

La diversidad la fomentaremos a partir del intercambio entre propuestas artísticas ya sea entre mismas disciplinas, como por ejemplo músicos de diferentes géneros musicales, o entre diferentes disciplinas artísticas dentro de un mismo espectáculo.

A su vez nuestro colectivo participa activamente en lo relacionado a la equidad de género en los escenarios artísticos, por lo cual en la programación se tendrá muy en cuenta el hacer valer la igualdad de acceso y oportunidades a artistas para mostrar su arte. Por ejemplo se organizarán ciclos propios, para dar visibilidad al trabajo realizado por mujeres y disidencias en la música.

¿Cuáles son los planes futuros para Sala Corchea y cómo esperan que crezca y evolucione con el tiempo?

Lo primero será que la sala se haga un lugar conocido en el circuito cultural, comenzando a funcionar de jueves a sábado a las 21 hs. y domingo 20 hs. La idea es salir por este primer año de apertura con un muy buen acuerdo para artistas de nuestro colectivo. A su vez se suma como buena noticia la apertura de una ticketera propia, entradasfans.com, lo que hará bajar los costos administrativos por comisión de ventas de entradas, beneficiando a quienes organizan, por este concepto también.

Creemos que naturalmente va a crecer porque nace desde una cooperativa de artistas o sea que la materia prima está. Abrimos convocatoria a propuestas, las mismas se podrán presentar completando el siguiente formulario: https://forms.gle/EXGTBYVRvYWJ8B5V6

¿Qué artistas les gustaría traer a la Sala Corchea en el futuro?

Más que traer diría que nos gustaría realizar ciclos con referentes de nuestra mejor música popular uruguaya. Otra es que nuestra sala oficie como el primer contacto que tengan, artistas del interior del país con el público montevideano, propiciando el intercambio y colaboración entre artistas montevideanos, de todo el país y también del exterior.