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Por Gabriel Plaza.

La entrada es como la de un gran patio cervecero amigable que da ganas de ingresar. Algunas personas miran hacia adentro. Escuchan música y se arriman. Galpón B, es una sala del circuito independiente en el barrio de San Cristóbal, en la zona sur de la Capital Federal. En ese espacio se cocinó buena parte del under tanguero del siglo XXI. Es la sede oficial de la Orquesta Típica Ciudad Baigón, una agrupación que lleva más de una década pulsando el género del tango en la ciudad con sus composiciones nuevas y su ADN rockero. Dentro de sus hitos está la grabación de un tango compuesto a dúo con el Indio Solari de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Ese ámbito, entonces parece el ideal para el primer Festival Internacional Vagamundos, un encuentro de bandas y proyectos de la música alternativa de Uruguay, Argentina, Paraguay y Chile: Cuatro Pesos de Propina, Cabaret, Villagrán, Malicia, Juano, Don Vito, Mirza y Juan Shambala.

“La idea es darle un espacio a todas esas personas que no van a los grandes festivales porque los artistas que traen ya los escuchan en las radios, sino que tengan un lugar donde puedan descubrir nuevas bandas”, dice Inti Raymi, productor, curador y organizador de esta primera edición, que luce una sonrisa.

Es una noche inmejorable. El clima es primaveral. Hay buen ambiente. La preventa de entradas se agotó y el ritmo de venta de tickets en la puerta es constante. Una argentina hasta decidió festejar el cumpleaños en el festival. “Me pareció un buen plan traer a mis amigos y escuchar música juntos”, dice rodeada por sus compañeros de aventuras, que chocan vasos de cerveza y comen una grande de muzzarella.

La curaduría del festival hace pie en el Cono Sur del continente, a partir del acuerdo con distintos países. Con esa idea pasan por el festival artistas de regiones que no vienen a tocar tan seguido a Buenos Aires, una plaza atractiva y que le da visibilidad a muchos proyectos. Es el caso de Cuatro Pesos de Propina que cruzó el Río de la Plata con su formación completa para renovar su interés en el público local, donde ya tienen sus propios seguidores, –aquellos que cosecharon con canciones como “Mi revolución”, “Glu glu” y “Solari”–, y que regresan para mostrar su nueva propuesta desde su disco “La llama” (2019), donde converge un sonido mucho más mestizo junto a la milonga y la electrónica. Lo mismo pasa con la banda paraguaya Villagrán, que atrae a los migrantes como el actor Nicolás García Hume, radicado en la Argentina, y reconocido por sus participaciones en series como “El reino”.

Dos días antes, en ese mismo lugar, se realizaron charlas, show-cases y un encuentro en el que participaron más de veinte productores del Cono Sur y programadores de varias salas. “Queríamos aprovechar este festival para generar un encuentro de la industria, pero también donde participaran programadores que ofrezcan espacios reales donde los artistas pudieran venir a tocar”, dice Inti. La buena recepción del evento anticipó lo que pasaría el sábado en el festival.

“Lo mejor de esto es que nos empezamos a conocer con otras bandas, los podemos invitar a tocar y a compartir”, dijo el líder del proyecto argentino Don Vito, desde el escenario. Muchos, a pesar de su larga trayectoria en la escena local –ocho discos editados–, era la primera vez que lo escuchaban en vivo con esa mezcla entre el reggae y el nü metal con ecos a bandas como Rage Against the Machine.

A lo largo de la noche hubo diferentes intercambios artísticos sobre el escenario. Uno de los encuentros más explosivos fue el de Gastón Puentes, cantante de Cuatro Pesos de Propina, invitado por Villagrán, la banda guaraní que fusiona en su ritmo subtropical, el funk, la cumbia y el ragamuffin: la química entre los artistas de Uruguay y Paraguay despertaron el éxtasis del público, que se repartió entre el baile y el pogo al mismo tiempo.

A medida que fueron pasando las bandas y las horas, el festival encontró su punto de ebullición pasada la medianoche, cuando la sala con capacidad para más de 700 personas lució a pleno.

El crédito local Juano fue de los primeros que calentó el ambiente. Sus canciones de sonido chill y veraniego –pop, urbano y soul– fueron bien recibidas. El artista siguió plantando bandera en territorio argentino y convocando a sus propios seguidores, que cantaron varias de sus canciones como “Movie” y “Gin tonic”, con esa base reggae contagiosa y un estribillo hitero para las FM. El artista sabe que cada uno de esos cruces a Buenos Aires empieza a dar sus frutos: “¿Se saben mis canciones?”. Un puñado de seguidores le responde y le termina haciendo los coros en los estribillos de sus temas. Al final de su show les pide que se arrimen bien al escenario para sacarse una selfie y hasta los que están en el fondo del teatro levantan las manos para formar parte del recuerdo de Juano en Buenos Aires. Es una buena señal.

Otra de las sorpresas fue el proyecto Malicia, oriundo de Valdivia, al sur de Chile. Su cantante parece haber salido de los años ochenta. El estilismo de su cabello pavoroso, el vestuario que combina el saco dorado con apenas un body negro por debajo recreando la imagen de íconos femeninos como Joan Jett y Blondie. El audio electropop, el sonido de los sintetizadores, las guitarras distorsionadas y el pulso disco para bailar, es la escenografía perfecta para el despliegue de su performance que cautiva al público y le dedica muchos aplausos.

Entre banda y banda, se arman charlas descontracturadas abajo del escenario. Mucho de los músicos que participan parece que se conocieran de toda la vida, pero la mayoría es la primera vez que se ven. El festival es como un puente que acerca las distancias entre Uruguay, Chile, Paraguay y Argentina. “Se puede ver ese ambiente de hermandad que se generó entre todos”, dice Inti.

Las cervezas, acompañan esos primeros acercamientos entre bandas, que forman parte del backstage del festival. Pero también los conciertos se convierten en una vidriera musical que despierta el interés de productores como El Chávez, que desde la zona Oeste dijo presente. Al igual que Tweety González, que siempre anda a la busca de nuevos talentos.

Inti, motor de este encuentro, lo confirma: “El festival es una manera de descubrir grupos distintos”. ¿Entramos?, le dice una chica a su grupo de amigos, cuando observan desde el patio el buen ambiente del Galpón B. Adentro se está cocinando la historia del Festival Internacional Vagamundos. Esta noche es la piedra fundacional.

Por Florencia Nichele.

Ya entrada la noche, la Sala Corchea, iluminada, esperaba con aprontes, a una cantidad de músicos y funcionarios superiores a las 30 personas.

Conforme llegaban al hall, sonrisas surgían en los rostros de los presentes, abrazos, intercambios amenos tras reencuentros o el conocerse por vez primera y tener la chance de charlar. Pequeños y grandes grupos se formaban, que dispersos por la sala, esperaban a ser llamados para culminar con la grabación de la canción institucional. “La música siempre está”, pensada para celebrar los 13 años de la cooperativa. Heber Rodríguez, su autor, pasadas las siete de la tarde, comenzó a pedir que todos ingresaran a la Sala Corchea.

Como si de pasar lista al principio de una clase se tratara, el cantautor comenzó a llamarlos al escenario, e indicó a cada uno dónde debían ubicarse para no tapar a otros y en qué orden debían cantar la frase que se les había asignado previamente y que habían grabado durante ese fin de semana.

Entre risas, tomaron sus lugares; algunos se acomodaban el pelo o la ropa, otros repasaban la letra y un último grupo, intentaba practicar para calentar su voz. Con alguno que llegó tarde –clásico uruguayo– y alguno que grabó más temprano, comenzó a sonar la canción.

La jornada se desarrolló sin sobresaltos, al mejor estilo “We are the world” pero con un alto nivel de uruguayez, el coro con palmas incluidas resonó en la sala, que siguió su canto incluso al haber terminado de sonar la pista. Selfies surgían sobre el escenario, chistes, aplausos de admiración y comentarios sobre aquellos funcionarios que los músicos comentaron, no sabían las capacidades para el canto que tenían.

capitalemergente.com/ habló con algunos músicos y trabajadores de la cooperativa sobre la experiencia de grabar esta canción institucional y juntarse.

Fer O-Smith aseguró que llegó a Montevideo alrededor del año 2009 y que apenas surgió Cooparte, ella se unió; agregó que la ha ayudado “en todo” ya que por ese medio puede cobrar sus trabajos y sostuvo que “siempre están brindando pila de información que necesitamos si o si, hay pila de encuentros. En todo está Cooparte, es el mediador entre cada instancia entre el músico y la empresa, o lo que sea”.

Juan Mariño, músico e integrante del equipo de Cooparte desde 2016 dijo a capitalemergente.com/, que la cooperativa es importante en distintos niveles: “A nivel de cooperativa, es re importante por el tema de formalización de lo que es poder cobrar los servicios artísticos, poder formalizar el cobro de un dinero, un honorario artístico, a partir de una ley, que es la ley del artista (Ley N.° 18.384); o utilizar la herramienta de la cooperativa y de la asociación para poder blanquear esos honorarios. Aparte de todo eso, está la parte vincular, que es esto que te da, que vienen un montón de músicos, los contactos, se arma un equipo y se está armando una nueva generación de artistas que están trabajando en red para darle para adelante todos juntos”, enfatizó.

Seba Silva, músico e integrante de Cooparte, contó su experiencia de acercamiento: “Cuando vine, vine averiguando qué era y en realidad me parece importante porque colectiviza a los artistas, es un lugar de encuentro” y dijo que “es un punto de regularizarnos, es un lugar para transformarnos en trabajadores. Los artistas siempre, desde que le decimos a nuestros padres que queremos ser artistas, es como el hobby”, hoy en día se ha transformado en un trabajo, hay mucha gente que vive de la música, es posible, pero hay que ordenar también la parte administrativa para que eso sea mejor y sea como cualquier otro”.

Respecto a lo que generó “La música siempre está”, Mariño dijo que pasó “hermoso” y que eran “todos compas conocidos que venimos trabajando hace un montón de años, que yo le decía a Heber, encontrarnos en un mismo proyecto, en una misma producción, está buenísimo porque también fomenta la hermandad, el trabajo en red”. Fer O-Smith se sumó a los dichos del músico y agregó que se reencontró “con un montón de artistas que hacía pila que no veía” y que fue una experiencia “divina”.

Por su parte, Silva, que trabajó la canción junto con Heber, reflexionó que estas instancias son difíciles de generar ya que eran “cerca de 30 músicos de diferentes estilos; encontrarnos en un proyecto en común, a cantar todos juntos y reírnos, pagó todo el laburo”, finalizó.

Las Sesiones Corchea:

A modo de celebración, Rodríguez propuso y la Sala Corchea decidió emprender un camino que en no más de un mes, puso a 12 propuestas y muchísimos más músicos, sobre el escenario de ese espacio, para regalarles la grabación audiovisual de una canción de su proyecto que eligieran.  Entre ellos estaba Juan Mariño, Alien Rap, Maite Gadea, María Elena, Flor Sakeo, Pablo Cabrera, Seba Olivera, CARA (Santiago Carámbula), Luana Méndez, Batiment Dúoo, Rosal Prisma y Nico Román.

capitalemergente.com/ pudo hablar con dos de las mujeres que formaron parte de este ciclo: Luana Méndez y Flor Sakeo. La primera de ellas, eligió una canción que aún no tiene nombre pero que asegura “es un rezo que yo le hago a la música que es mi forma de vida y de trabajo, la labor que yo elegí o que ella eligió para mi, y es un poco pidiéndole que me lleve a donde me tenga que llevar, me entrego a este camino”, finalizó, mientras que Sakeo tomó la misma decisión de grabar algo que aún no estuviera en plataformas.

La artista de música popular reflexionó sobre formar parte de esta experiencia y señaló que “es muy difícil poder tener la infraestructura, la economía para poder materializar este tipo de obras y que quede profesional; hoy en día creo que lo visual es muy importante; entonces que te ofrezcan esto de una forma gratuita a modo de intercambio de que quede en la plataforma me parece una tremenda propuesta hacia los artistas jóvenes o hacia los proyectos que creo que es difícil sostenerlos o generar este tipo de contenidos desde un proyecto”.

Al preguntarles sobre qué tiene de distinto este escenario de otros que han pisado, Méndez argumentó que le gusta porque “al menos mi proyecto lo que pide, o al menos lo que yo siento que necesita es intimidad, y creo que Corchea lo que ofrece es eso mismo, conectar con la cercanía del público y poder generar también un intercambio en lo musical y lo que sucede en la escena”; por su parte, Sakeo dijo que “si puedo estar haciendo música, todo estará bien; las diferencias son que van a haber cámaras filmando, seguramente pidiendo repetir cosas y yo nunca estuve en esta instancia, me parece increíble, yo me subo a todas estas instancias nuevas porque las quiero vivir, si, dale, las quiero vivir”, enfatizó.

Sobre las dificultades y la importancia de estos espacios, Sakeo dijo que es “una ayuda muy salada para bandas que recién estamos empezando, no tenemos y no contamos con una solidez económica como para invertir en estas cosas, eso me parece super importante, porque es una oportunidad para decir: esto va a quedar prolijo, esto va a estar precioso, el lugar es re lindo, va a haber gente encargada de sonido, gente encargada de las cámaras” y al finalizar, calificó la experiencia como “un sueño”.

Por Florencia Nichele.

El sábado sería un día especial, más allá de las altas temperaturas, la noche en la Sala Corchea prometía música y para sorpresa de muchos, a sala llena.

Otro ciclo MYDMUS inundaba el espacio, y ante un espacio abarrotado comenzó su show de guitarra y voz la cantante Hankeliana que con su tono angelical y sus letras melancólicas logró conmover al público.

La artista admitió varias veces que sus letras son “tristes” y agregó que es por ello que hace “un show de stand up” entre canciones, para “balancear”. Comenzó su espectáculo con “Nota de voz” un sencillo que lanzó en 2021 junto con Lucas Cary, con la que fue acoplándose con el público, factor determinante ya que al cantar “Lo siento, perdimos”, la intérprete se notó muy conmovida y el público la alentó con aplausos.

Hankeliana habló con capitalemergente.com/ y admitió que antes del show “tenía muchos nervios” ya que inicialmente el espectáculo sería con banda pero luego no pudieron coincidir y preparó un set de canciones sola a las que dice que el público fue receptivo a lo que escuchaba y eso la dejó “muy contenta”, agregó además que fue su primera vez en la Sala Corchea y en dicho ciclo.

Luego interpretó una canción inédita llamada “Antes de ti” y llegó el momento con mayor participación del público con “Lo breve entre los dos”, Hankeliana se refirió a la gente con un pedido: “¿Pueden cantar conmigo una canción? Se las voy a enseñar, obvio”, el público accedió y varios ya conocían el tema, por lo que el estribillo de la canción se convirtió en un coro de voces que variaban en sus tonalidades e interpretaban la canción como si su letra no fuera melancólica: “Quisiera sacarte de adentro, enterrar mi corazón”, dijo y los presentes repitieron.

Casi hacia el final del show invitó al escenario a Lucas Cary para interpretar “Milonga” y “Agua de río”; en los rostros de los presentes se notaba la fascinación por la gran capacidad que dichas voces tuvieron para complementarse y subir de nivel un show que ya venía en ascenso.

Por su parte, los intérpretes, se cantaron y miraron a los ojos, transmitían al público una sensación de paz y acompañado de esto, Cary pidió aplausos para la cantante que dijo “la está rompiendo” y que la admira “un montón”.

Luego de algunas canciones más, el espectáculo tuvo su cierre con el bis de “3 AM” y “Piso 10”, pertenecientes a su último EP “Kalopsia” (2023).

El cierre de la noche estuvo a cargo de Ximena Bedó y Mainé Hermo, un dúo que se presentaba como tal por vez primera.

Aparecieron sobre el escenario y luego de intercambiar un chiste entre ellas, comenzaron el show con un público que acompañaba sus interacciones e interpretaciones, como hicieron con  “Acacia negra”, una canción que explicaron es para Julio Castro y “para el fuerte árbol que es la acacia negra, un árbol que crece mucho en Rocha y tiene muchas cualidades, a veces no te das cuenta que está muerta porque sus compañeras la sostienen en pie, también tiende a crecer torcida y eso es bueno cuando los vientos son adversos”.

Bedó y Hermo charlaron con  capitalemergente.com/ sobre su experiencia esa noche y expresaron haber  pasado “increíble” porque “somos una combinación de canciones que se llevan muy bien, sonó muy bien además, lo gozamos”, explicaron y agregaron con pena el no haber logrado agregar todas las canciones que tenían pensadas para esa fecha, aunque reflexionaron que deberían hacer alguna otra.

Más tarde interpretarían la que quizás sin saberlo, fue la favorita del público interpretaron “La ropa de color” de CDC.

Al cantar “Toda la música levanta vuelo”, perteneciente al álbum de 2019 del mismo nombre de Ximena Bedó, con la que exploraron distintas formas de interpretar el canto, ya que la canción fue un tanto rapeada y otro tanto hablada, además de usar las castañuelas utilizadas en flamenco con lo que demostraron de alguna manera su flexibilidad a la hora de cantar y crear.

Quizás el momento más emotivo fue cuando llegaban al bis e interpretaron “Sé una cuerda para mi guitarra”, del disco “Del alquitrán” (2023, Maine Hermo), ya que al finalizar la interpretación, las cantantes se pararon frente a los presentes, hicieron una breve reverencia para luego abrazarse y mirarse felices, mientras el público pedía otra y ellas se despedían entre aplausos, para luego volver y acusar de tener que repetir una canción y que el público debería elegirla, por lo que volvieron a interpretar “La ropa de color” de Ximena Bedó perteneciente al disco “La cajita” de 2015 y finalmente fueron agasajadas con fuertes y extendidos aplausos.