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Por Guillermo Amy // Fotografía: Gonzalo Abeiro.

Hace rato que la banda viene en ascenso y las pruebas están a la vista. Luego de presentar su flamante tercer disco “Alucinaciones en Familia III” en La Trastienda y realizar una deslumbrante fecha en Plaza Mateo en el marco del ciclo “Contumancia”, decidieron cerrar el año de forma anticipada realizando su primer show exclusivo en Sala del Museo.

Al ingresar a la sala una gran infraestructura impactaba la visual. El escenario se encontraba preparado con varios detalles, en los que destacaba un ojo artesanal con una bola de espejo representando el iris. La previa venía con una gran elección de canciones sonando por los parlantes entre los cuales destacaban temas de Wire o The Jesus and Mary Chain, quienes evidentemente poseen cierto parentesco y afinidad con el estilo de la banda local.

Con una estricta puntualidad como habían avisado en sus redes sociales, a las 21:00 hs el show dio comienzo con los primeros sintetizadores de “Las canciones se terminan”, track que abre su nuevo disco, mientras un gran porcentaje del público aún seguía entrando a la sala y ubicándose. Para “Sinthome” (tercer tema de la noche), los leves desperfectos sonoros iniciales se solucionaron para re-encaminar el show sin mayores inconvenientes y ya con la mayoría de los asistentes dentro.

El grupo parece no tener techo y fecha a fecha se puede percibir que el apoyo es ascendente. Tal es así, que en el primer momento que las luces iluminaron la explanada y dimensionaron la cantidad de gente presente, la reacción inmediata fue: “¡Son un montón!”. Al consultar públicamente de qué departamento venían, notaron también que varios integrantes de la audiencia eran del interior. Al igual que la imagen, un momento también vale más que mil palabras.

Su espontánea comunicación y múltiples agradecimientos nombrando a todos los integrantes de su equipo hacen que la palabra “familia” sea más que una palabra suelta dentro de su nombre. Colectivamente se muestran sólidos, las invitadas en instrumentos de viento se acoplaron a la perfección generando un plus sonoro y una sinergia contagiosa para el espectador. Esto se vio reflejado en la creciente respuesta del público que cantó a todo pulmón desde los temas más añejos como “Drones por Capurro”, hasta los más recientes como “Pimienta y escarbadientes”.

Intensidad, psicodelia, consistencia y planificación, son solo algunas formas de caracterizar este show que llega en un nivel formidable, diferenciándose del anterior pero al mismo tiempo siguiendo una misma línea. Cada detalle parece estar pensado en función de las intensidades instrumentales y los momentos. La delicadeza en temas como “La orquídea fantasma”, la épica iluminación estrellada en “Secta de las dos lunas”, la fuerza bruta en los momentos de explosión como el final de “Josefina” (al punto de que Pau O’Bianchi tuvo que cambiar de guitarra por romper las cuerdas en más de una oportunidad), fueron condimentos que, combinado con una gran presencia escénica e interacciones continuas entre los músicos, hacen que logren consolidar una atmósfera envolvente sin dar lugar a la distracción.

El show duró aproximadamente dos horas, con casi 25 canciones en el setlist, que tuvo espacio para algunas sorpresas como “Inútil es en español” de “3Pecados” o el cierre final, con un homenaje a “Tüssi” Dematteis, con una emotiva versión de 1 2 3 4 5 de La Hermana Menor. Con un simple “nos vemos el año que viene”, la banda despidió el 2024 de manera temprana pero con un show que vuelve a demostrar que son una de las mejores bandas nacionales para ver en vivo en la actualidad. Resta esperar con altas expectativas lo que pueda ocurrir en 2025.

Por Florencia Nichele // Fotografía: Alina Viera.

Rodra creció con un sonido ambiente que contenía a músicos diversos como Silvio Rodríguez, Serrat, murga uruguaya, Laura Canoura, por la que despertó una fascinación que aún mantiene. También estaba rodeada de grandes de la literatura como Benedetti o Galeano y una fascinación que la llevó a meterse de lleno en la música y la literatura de Spinetta, que inspiró varios trabajos a nivel terciario como estudiante de literatura, que le enseñó que otro tipo de lírica existía en la música, que no todo tenía que ser lineal, que llevó a esa niña a componer una canción que me tarareó y que se llamó “Un pequeño dragón”.

Lucía Rodríguez Esperón que luego tomaría el nombre artístico de Rodra, aseguró que de chica contaba historias en sus canciones, que cada una de las que escribía eran sobre aquellos a quienes admiraba, pero hubo un momento de rebeldía, un momento de standby en sus creaciones, donde se dedicó a los covers, hasta que llegó un primer amor adolescente que le devolvió la inspiración y así surgió “Tu color”, canción que al recordar sonríe.

En su primer disco “Al humo” (2021) fue “vulnerable”, esperó que su público lo entendiera, dijo ser muy “impulsiva” en general y narró a capitalemergente.com/ cómo eso la llevó a ir tras sus objetivos: presentar en La Trastienda su primer disco y su contrato reciente con Bizarro que calificó de “muy importante” para el desarrollo y crecimiento de su carrera  y que permitirá  también lo haga su equipo de trabajo. Le gusta la idea de que la discográfica le “proponga ciertos desafíos” que hasta el momento tenían cierto orden, que admitió manejar de una manera distinta, pero que descubrió que hay otras formas más eficaces de hacerlo: “estoy aprendiendo un montón y ese aprendizaje no se daría si no hubiera otras personas del otro lado, uno no puede aprender todo sola”, reflexionó además de remarcar la importancia de “confiar en que estamos justamente todos buscando lo mismo, que es que esta música se esparza o crezca que sea tocada en vivo o no, que la conozco gente nueva”.

Rodra contó que la ansiedad antes de los shows aparece porque sus ganas de tocar aumentan, pero tiene una fórmula para combatirla: piensa en todo el trabajo que se ha realizado hasta el momento, todos los que están detrás y se emociona, “desde ahí puedo cantar y puedo hacer todo y mirando al otro con amor y mirando a mi equipo, mirando la familia y mirando a la gente que se acercó, siento que ese es un lugar muy honesto, muy genuino” agregó que finalmente valora lo que sucede y “realmente se me disipa un poco la ansiedad y disfruto”, finalizó.

Rodra, que cuenta con un disco “Al humo” (2021) y 2 EP, “Del aire” (2017) y ”103” (2022), se presentará este viernes 11 de octubre en Inmigrantes, con Diego Morales en batería, Daniel Lacuesta en guitarra, Andrés Cuneo bajo, Fede Noll en teclados, NÜRY en coros, Eileen Sánchez en coros y Martín Zabala en la asistencia técnica.

La apertura de la noche del viernes 11, estará a cargo de Ivana Rodríguez en un show que a Rodra le genera “mucha emoción” ya que hace bastante no hacía uno enteramente suyo, con varias invitadas y una puesta audiovisual que viene trabajando “estamos pensando en un show bastante fuerte para ir a purgar emociones, para ir a expresarse, para ir a bailar, para ir a cantar, para descargar un poco de data y claramente va a tener los momentos más energéticos y efervescentes junto a la banda; también va a haber instancias más íntimas” además dijo que la puesta en escena a nivel lumínico la tiene “muy contenta” y subrayó el aprovecharla para expresarse a través de un lenguaje más visual.

Las invitadas serán Camila Sapin, Naoko, Lipe Gómez, Victoria Brion y Kira1312, que cantarán y versionarán temas de la artista, lo que Rodra señaló como “magnífico” y dijo que prepararon los temas “con mucha mucha manija”.

Posteriormente, el viernes 25 de octubre le abrirá el show en Sala Corchea a la cantante argentina Paula Maffia, de la que dijo conocer su música ya que “la admira” y agregó que desea poder compartir con ella y con el público un show “más íntimo” porque le parece “increíble como canta, increíble cómo interpreta”, a su vez, recordó que tiene una guitarra nueva, que va a poder explorar más a fondo en esa instancia.

Al ser consultada sobre cómo se percibe como artista, se conceptualizó como una cantante uruguaya que fusiona géneros e “invita un poco a gozar la incomodidad en ciertos momentos”, reflexionó tener “dos polos” que generan una tensión constante en su música que es lo que le gusta de ella: “sin duda hay algo muy de descontrol, de sacar afuera, de purificación, mi música invita a eso, a encontrarse sin prejuicios con zonas no tan habladas”.

Por Guillermo Amy.

La banda volvió a tocar en una sala que conoce de memoria. Su presencia en este recinto hace ya un tiempo se ha vuelto una sana costumbre y un evento anual esperado por todos sus seguidores. Una vez más, volvieron a Montevideo para un nuevo reencuentro con particularidades que harían que diste de sus últimas visitas.

Al tener una frecuencia de visitas tan visible, es natural que tanto público como banda conozcan de memoria el show. Pero en el caso de Las Pelotas, con un repertorio de 11 discos de estudio, tienen la posibilidad de dar rodaje a canciones que pueden haber estado un tiempo bajo llave. Como dijo su vocalista Germán Daffunchio en un momento de la noche, “siempre que venimos a Uruguay tratamos de tocar canciones que no tocamos la vez anterior” y el que avisa, no traiciona.

La apertura vino de la mano de Rodra que con su distintiva actitud energética dejó el escenario en llamas y preparado para lo que se venía. Pasadas las 21:15 la banda salió a escenario y dio inicio con “Desaparecido” con su oscuro riff de guitarra en el puente y su cruda lírica. Luego con “Escaleras” y “Que podés dar” dieron la bienvenida a un show que tendría muchos condimentos interesantes.

Para “Día feliz” (5to. tema del setlist), una figura de lentes oscuros y campera de cuero salió a escenario para interpretar este tema en voz y con su presencia ponerse al público en el bolsillo de inmediato. Se trata de Gabriel Dahbar, invitado que suele aparecer en algunos recitales del grupo, haciendo hizo su sorpresiva presentación en Montevideo. Desde el minuto uno, al observar su carisma y gesticulación a la hora de cantar, era imposible no recordar al mítico Alejandro “Bocha” Sokol. La aparición fue fugaz, pero no sería la única.

El show siguió su curso y en este tramo aparecieron varios clásicos y algunas no tan habituales, con una energía algunos cambios más abajo. “Personalmente” y “Victimas del cielo” se complementaban a la perfección con temas como “Buscando un cambio” del disco “Basta” (2007), una impactante versión de “Sombras”, y composiciones más nuevas como “Es clara”. El grupo nunca fue de tener diálogos extensos o grandes tribuneadas. La seriedad y profesionalismo es absoluto, dando siempre lo mejor en cuanto a sonido refiere. Los instrumentos vibran y se complementan, con sintetizadores que constantemente decoran el paisaje sonoro junto a una perfecta base rítmica como es habitual.

“Saltando” y “Si supieras” fueron el punto de quiebre para que el público entrara en un estado de sinergia absoluto para una segunda mitad que sería avasallante. Luego de estrenar oficialmente en Uruguay el nuevo tema “Los dos”, lanzado hace tan solo unas semanas, Dahber retornó al escenario para cantar a “Veoyover” y generar que el show entre en una nueva faceta mucho más rockera.

El vocalista también puso su voz a dos grandes composiciones como “La mirada del amo” y una imponente versión de “Muchos mitos”, que se cantó a todo volumen. Con mucho sentimiento, se podía percibir la esencia de Sokol de forma latente y una instrumental que representaba con mucha fidelidad, llegando a conmover a muchos integrantes del público que no pudieron contener las lágrimas. “Nos vamos con estos temas, si quieren más, pídanle a Gabriela”, decía simpáticamente Daffunchio previo a “Rompiendo la puerta” y “Sueños de mendigos”, ambas canciones del disco “¿Para qué?” (1998), para tomar un breve descanso.

Es sabido que Las Pelotas no suele escatimar en tiempo de show y las listas suelen ser largas. Seguramente sea por este factor que los bises se dividieron en dos bloques: el primero con “Como se curan las heridas”, y la infaltable “Será”, y el segundo con “Capitán América” (con sus típicos silbidos y abucheos a la melodía del himno de Estados Unidos). La elección de Gabriela Martínez para el final definitivo fue “Shine”, culminando a todo agite e intensidad. Al terminar el show las sensaciones eran difíciles de poner en adjetivos pero comentarios apuntaban hacia un mismo lugar: esta visita de Las Pelotas se sintió distinta y, subjetivamente hablando, superior. Sin duda esta noche quedará marcada como una de las más memorables de la banda en Uruguay, en que la música hizo un extenso recorrido por la emoción y los acordes resonaron más allá de las canciones.  

Por Gabriel Plaza.

En “El hombre que ríe”, Víctor Hugo escribió: “¿Qué vengo a hacer aquí? Vengo a ser terrible. Soy un monstruo, decís. No, soy el pueblo. ¿Soy una excepción? No, soy todo el mundo. La excepción sois vosotros. Vosotros sois la quimera y yo soy la realidad.”

Ahora la realidad es Dani Umpi bailando sobre el tablado de La Tangente en Palermo como una auténtica reina drag de la noche, haciendo pasos de voguing, girando sobre sí misma como el personaje de la Mujer Maravilla, pegando saltos como en una rave. Allí está una de las primeras mostras rioplatenses, como suele decir, mientras abajo otras mostras bailan con su electropop queer, enloquecidas, rozando sus cuerpos, iluminadas por esos flashes estrobotópicos, agitados por los beats graves que golpean en el pecho y que bajan hasta las caderas.

Dani Umpi –alter ego de Daniel Umpiérrez, nacido en Tacuarembó en 1974, artista visual, poeta, músico y performer– abrió las puertas del Siglo XXI con un collage musical sorprendente realizado con los recortes de las novelas rosas de Corin Tellado, los versos concretos de los poetas modernistas brasileños, las historias bizarras, los diálogos de las telenovelas de las tardes, la cultura pop de la sociedad contemporánea, el kitsch y el mundo marika, que recorre el cuerpo de una obra edificada en cuatro discos solistas y colaboraciones con artistas como el productor argentino Coghlan –uno de los invitados del concierto en Buenos Aires–, con el que grabaron juntos en 2021.

En Argentina, donde residió varios años, expuso en galerías, editó libros como Miss Tacuarembó (que se convirtió en película protagonizada por Natalia Oreiro), encontró un lugar y una comunidad de seguidores. Todas las personas que llenan la sala entienden su código y su juego. Dani tiene picardía y oscuridad, incluso una sonrisa que puede ser diáfana o que, por momentos, parece hasta sarcástica como si se estuviera riendo de la realidad la mayor parte del tiempo. Hasta su baile agitado y estimulante parece un acto de resistencia, un acto de protesta contra el mundo. Los que bailan junto a él, también, están disfrutando y resistiendo a la vez, al mundo que los rodea. Es una explosión de liberación. La posibilidad de decir: existo.

Definitivamente, Dani Umpi (envuelto por la sonoridad tecno, a veces con una marcha más dura y acelerada del house, o envuelto por la nube electropop), es un hijo del post-punk. Sólo un heredero de esa tradición podría combinar perfectamente la intensidad del pulso tecno con los versos de una canción como “El bien en el mal”, que puede definir su esencia. Allí repite como en loop “el bien en el mal” sobre la base de un syntpop, mientras la voz encuentra un carácter más descarnado en medio de esa pista envuelta en humo, que parece la de una disco en Manchester.

El contraste que se produce entre su imagen juguetona de duende, su música, su voz con las inflexiones de un baladista melodramático y pop de los sesenta, sus letras, su sonrisa, su baile, la acidez de su humor, crea un magnetismo particular y un efecto sorpresa permanente.

Puede crear un pequeño diálogo histérico junto al productor Coghlan para hacer un tema con un estribillo adherente en “Ku”, envueltos por una lluvia pop y una base tecno bien dura: el dúo se potencia en el baile, el pulso grave de los bajos y el paladeo de las vocales que hace Dani Umpi, como si estuviera saboreando un chocolate. Su voz grita erotismo, es jadeante y desprejuiciada.

También puede cantar con ternura, humor y maldad sobre una ruptura amorosa en su clásico “Mi Charles Manson”, cuando dice: “No te veré más / Yo no te miraré más / Yo te ignoraré / Esta vez yo no te asesinaré”, moviéndose junto al efecto burbujeante de un electropop que podría ser de Miranda: es como una Alejandra Pizarnik en su versión tecno, que baila en remolino, vestido de rosa y que se puede poner un tul blanco en la cabeza. Ahí brilla, como un diamante loco.

O puede hacer un alegato punk en su clásico “La yuta”, que sus fans repiten como si estuvieran en una marcha, pero bailan, no dejan de bailar, envueltas en sudor y el frenesí ascendente que provocan las programaciones electrónicas y la voz agitada y valiente de Dani Umpi que canta su propio himno gay: “Y encuentro mil colmillos que me iluminan / Me miro en el espejo y me siento mía / Ahora elijo bien a quien quiero besar / Que la yuta me venga a buscar”.

En el concierto, donde está acompañado de un músico a cargo de teclados y programaciones, pone en foco las canciones de su último disco “Guazatumba”, un álbum que cosechó elogios en ambas orillas del Río de la Plata y que reafirman su condición de un autor de peso en la música uruguaya dentro de un género como el electropop, que empezó a tener una reivindicación por las nuevas generaciones.

Temas como “La mitad”, “Circular”, “Vieja loba”, “El altar”, se mueven bajo la influencia de ese laboratorio rítmico, un compuesto químico de música y pasión, una fórmula que conecta la magia pop con la ciencia del ordenador, que también atrajo al mundo del rock como Los Fabulosos Cadillacs que lo invitaron a participar en el Cosquín Rock en Montevideo, o Eté & Los Problems, que incluyeron un cover de Dani Umpi en sus conciertos.

No hay arte sin concepto y Dani Umpi juega muy bien esas cartas y esos links culturales para comunicarse con diferentes generaciones y ambientes. Por eso, puede invocar al espíritu de una artista de culto como Silvia Meyer (radicada en Nueva York) para hacer uno de sus grandes temas, “El amor como razón del fin del mundo”.

El cover se convierte en una performance poética y teatral, donde su voz ulula más grave y se tensa sobre el deseo de una letra distópica: “El perfume de un jazmín puede ser la razón del fin del mundo”, dice y repite como un mantra. Es cuando su figura parece aislarse del recinto y recortarse de las secuencias electrónicas, separarse de todo lo que lo rodea y simplemente encarnar la poesía.

Entonces, Dani Umpi ya no es el artista, sino el arte que transforma su propia realidad y la de todos los que en ese momento están a su alrededor.

Por Guillermo Amy.

El volver a tener bandas referentes en actividad siempre es buena noticia. En 2023, Hereford retornó para ofrecer un show en un Teatro de Verano con entradas agotadas. Casi un año después, luego de una gran presentación en el escenario de Av. Libertador en el marco de los 300 años de Montevideo a principios de año, volvieron a programar una fecha en la capital para presentarse en el Sitio, el nuevo centro de espectáculos ubicado en el Velódromo Municipal.

La espera se hizo un poco más larga de lo normal. La fecha inicial, por coincidir con un partido de la selección uruguaya (y la despedida de Luis Suárez) tuvo que modificarse para el 4 de octubre. Pero este factor únicamente alimentó la ansiedad tanto del público como de los músicos para concretar esta instancia. Con un gran marco de público expectante, el inicio del espectáculo vino de la mano de “Juntos” (canción nueva de la banda que también daba nombre a la fecha) y “No lo entiendo”.

El primer bloque resultó un poco accidentado producto de algunos disturbios que ocurrieron en el sector delantero. La banda intervino de inmediato para eliminar las tensiones y retomar su curso de la forma que corresponde, como una fiesta. “Límite perpetuo”, “Ruido” y “Algo tuyo”, hicieron su aparición de manera temprana en el setlist y terminaron de disipar efectivamente cualquier tipo de turbulencia para transformarla en un clima celebración.

Cada uno de sus integrantes posee una vasta carrera dentro de la música nacional y cuando se unen, se crea una química que es notoria y funciona. Previo a tocar “De cero”, su single más reciente, Chirola Martino dejó a la vista que se encuentran en un gran momento como grupo. Manifestó que “presentar temas nuevos es un placer y una buena noticia para nosotros” y adelantó que “próximamente van a tener más canciones nuevas porque estamos con un buen impulso”. Estas palabras fueron más celebradas por los presentes. 

Los recuerdos fueron constantes. Un respetuoso repaso por todos sus discos contagió crecientemente a un público que de a poco se animó a cantar y acompañar con más fuerza. Sin duda que uno de los momentos más emotivos fue la mención y dedicatoria de “Cuanto más” a los detenidos desaparecidos; “No es un tema político, sino un tema de conciencia”, dijo Frankie Lampariello previo a interpretarla. 

Los coros y los arreglos instrumentales se complementan a la perfección con las visuales que se proyectan de manera continua en las pantallas. A su vez, el sonido y la iluminación conectan con una gran exactitud mientras una base consistente recibe el apoyo de dos guitarras bien definidas. Parece difícil sacarse ese Jam interminable del final de “Aunque me vaya primero”, el agite de “La corona del rey” y el pegadizo estribillo de “Cuando quieras usar”. La banda se despidió del escenario con un mensaje: “Todo sube y todo llega, hay que darle”.  La vuelta del grupo era inminente, y previo a iniciar con los bises, agradecieron cálidamente la presencia del público mostrándose por momentos hasta incrédulos por el cariño que sentían. Entre cánticos y promesas de volver a tocar pronto (¿y un nuevo disco quizá?) dieron cierre con “Debiste pensar”, “Volver a empezar”, un “Lo más simple de las cosas”, cantada a todo pulmón (con la audiencia como gran protagonista) y la infaltable “Bienvenida al show” para el cierre definitivo. El rock nacional vive y lucha, y noches como esta lo dejan a la vista.